陳薇如創作個展【寂靜的無人之地】 Chen Wei-Ju Solo Exhibition: The Silent Land of No One

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陳薇如創作個展【寂靜的無人之地】
Chen Wei-Ju Solo Exhibition: The Silent Land of No One
展期：2025.11.15 (六) – 12.28 (日)
開幕：2025.11.22 (六) 下午 14:30
地點：金車文藝中心臺北南京館（臺北市南京東路二段1號3F）
主辦單位：金車文教基金會/金車文藝中心KCCA

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陳薇如筆下的空間，介於現實與心境之間。那些被時間滲透的牆面、植物的枝葉、椅子的形體，彷彿都被記憶與情緒浸潤過，成為一處處靜默的精神場域。它們像心境的投影，映照出人與世界之間那層難以言說的距離。
而【寂靜的無人之地】（The Silent Land of No One）是她近年創作脈絡的一次凝縮，關於孤獨、記憶與情緒的疊加，也是一段為自身尋找「內在棲居」的緩慢旅程。

心理空間的生成

1999年生於新竹的陳薇如，現就讀於國立臺北藝術大學美術創作碩士班，主修水墨創作。她的藝術養分多來自日常觀察與情緒經驗，她的創作以探尋「心理空間」與「情緒棲居」之間的關係為核心，試圖在現實與內在之間，描繪情感如何於空間中浮現與停留。

陳薇如的畫面總帶有一種靜默又神秘的氣息。她曾說，創作對她而言，是在畫布上為心靈找到一處暫時安放的所在，一個能遠離現實噪音、讓思緒與情感得以沉澱的「無人之境」。

「無人」並非指荒蕪，而是一種精神性的留白。那裡既承載孤獨，也容納安靜；既與生活痕跡緊密相連，又刻意保持距離。因此，她畫中的空間既熟悉又陌生，如夢境與記憶之間的過渡地帶，觀者無法確定那是房間的一角，植物的微距，或是某種意識流動的瞬間，一切被柔化成半透明的知覺狀態。

水墨的痕跡與延展

水墨對她而言，是最能對應時間與心理節奏的媒材。她著迷於水、墨與紙三者相遇的瞬間，每當墨色滲入生紙纖維的過程，除了是顏料的物理滲透，也是一種呼吸和時間的延展。
她喜歡觀察墨在乾濕交錯間留下的痕跡，那些不受控制的暈染，恰恰反映了情緒的流動與不確定。「我喜歡那種水氣滲進紙裡、又慢慢乾掉的過程，像是記憶在消退，卻永遠留下一層淡淡的影子。」

她常以淡墨與留白為畫面的起點，透過皴法、覆染與重疊筆觸，讓結構在層層堆疊中生成厚度與時間感，使牆面與建築輪廓不再只是靜止的平面，而帶著濕潤、含蓄重量的質地。當乾筆的紋理與水痕交錯時，畫面在理性的構築與感性的流動之間取得平衡，既嚴謹又脆弱，如同秩序正在邊界上顫動。

觀看即行走—佈局的遊戲性與時間感

與傳統的靜態觀看不同，陳薇如的作品往往需要「被行走」。
創作中她刻意選擇長幅、手卷或立軸的形式，讓觀看成為一種具有時間感與身體感的經驗。觀者無法一次看見全貌，必須隨著畫卷的展開、視線的移動，緩慢揭示畫面的節奏與呼吸。「我喜歡這種必須移動身體的觀看方式，」她說，「拉近、退後、在畫面裡游走，讓觀看變成一段旅程。」

這樣的觀看方式，也呼應了傳統東方山水畫的構圖與佈局，劉宋時期山水畫家宗炳在《畫山水序》中首次提出了「臥遊」的觀念，北宋宮廷畫家郭熙亦在《林泉高致集》中提到「可行、可望、可居、可遊」，營造山水畫如實境般，能讓人在其中往返、瀏覽的功能。

另外她也提到，自己的空間安排受到兩款遊戲啟發《樂克樂克》（LocoRoco）與《紀念碑谷》（Monument Valley）。前者揭示地圖的形式推進，後者則以錯視與不可能的建築結構創造出迷路與遲疑的體驗。這些「遊戲的空間邏輯」啟發她錯置建築線條以及超越常規的構圖視角，讓觀看者如同遊戲玩家般，在紙上的迷宮裡探索，她笑說：「我喜歡那種不知道自己在哪裡的感覺，迷路有時比找到出口還真實。」

當觀看成為一種行走的遊戲，觀者如同旅人，穿梭於紙上的地景之間，不被導引，也無法確定終點，既是迷失，也是抵達，在每一次的停頓與回望中與作品共振。

記憶物件與象徵意涵

她的創作方法起始於「採集—觀察—轉譯」，日常環境就像她的素材庫，自家栽種的植物、海邊撿拾的乾硬魚體、路上偶遇的玻璃反光、路邊的空椅，這些片段被她拍攝後進行歸檔和整理。她會依主題與時間分類，甚至將植物擺放在生活空間裡長期觀察姿態變化，再轉化為畫面中有機的形象。

她筆下的魚，大多失去了生命，呈現僵直的姿態。那種「動彈不得」的形象，映照了自身心理狀態的感知，一種被時間凍結的無力。當魚被放進畫面，就像被重新安置在另一個水族箱裡，在這裡它們得以重新「活過來」。

畫面中椅子代表生活中各種角色，也象徵一種情緒的容器。她說：「椅子好像總是有人剛離開，或正要坐下，但那個人永遠沒出現。」有時候是等待、有時是休息、有時缺席或束縛……像等待著誰，卻又長久空著，成為一種「缺席的在場」，召喚出一個看不見的身體，提醒觀者即使畫面中無人，仍有一個位置在那裡；而當多張椅子並列時，它們之間的距離與角度，像在暗示人與人之間的關係，或僅僅是並置的孤單。

水面則是她畫面裡常出現的意象，它既是鏡子，也是邊界。對她來說，水面的反射是一種選擇性的凝視，有時清晰，有時模糊，既能看見自己，也能掩藏自己。這樣的流動、折射和難以定義的「不確定性」令她著迷，因為那正是情感與記憶的本質。

而植物則是她對生命持續性的觀察。她會將葉片局部放大、切片或扁平化處理，使其在畫面中不斷蔓延生長，象徵在時間與空間裡持續呼吸的生命力。她特別提到「白水木」這種她原以為柔弱的植物，原來能在高溫與海風中堅韌的生長，她說：「人也是這樣，要經過風吹日曬，才會知道自己能長到哪裡。」這種「表面脆弱卻極具韌性」的特質，成為她筆下植物的精神象徵。

寂靜的共感：觀看作為陪伴

在這個被不斷被催促的時代中，陳薇如的創作以水墨為媒介，如同緩慢呼吸般，慢下來，看著墨滲入紙纖維、乾燥、再滲透，像是一場漫長且深沉的對話

她說，自己偏愛黑色，那是一種能包容情緒，吞沒雜訊的顏色，也是一處可以暫時隱匿的棲身之所。在她的畫面裡，墨的層次與留白之間潛藏著未說出的情感，是一種屬於當代的孤獨感，不是悲傷，而是自我安放的方式，學會與自己共處。

【寂靜的無人之地】中的「無人」，不代表排他或拒絕，而是一種開放的邀請。那片空白、那些未被佔據的座位，正為觀者預留了進入的可能。
她說：「即使畫面裡沒有人，觀看本身就是一種陪伴。」因此，她邀請觀者以旅人的姿態輕步前行，不帶目的，只為在這片靜謐中感受和停留。當我們在她的畫面中遊走，也許正是在彼此的靜默裡，找回了共感與呼吸的節奏。

資料提供/陳薇如採訪編輯/ 鄧乃文

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